La mise en scène de Tachikawa se distingue par une liberté formelle peu commune. Dans Mob Psycho 100, l'esthétique bascule tour à tour vers la peinture sur verre, des visages distordus et des séquences d'action d'une précision chirurgicale au gré des impératifs de la scène. Ces ruptures visuelles ont une réelle portée narrative plutôt que purement décorative : le style se disloque précisément au moment où le protagoniste perd le contrôle.
Issu du storyboard et de la réalisation d'épisodes, il a d'abord conçu une série bâtie sur une prémisse singulière : juger les morts à travers des jeux. Ce parcours explique son aisé maniement des concepts ramassés et des prises de risque tonales. En laissant à ses animateurs la latitude de marquer leurs séquences de leur empreinte, il confère à chaque épisode une identité bien affirmée.
Thèmes récurrents : la retenue affective et ses craquements, la bienveillance ordinaire érigée en véritable force, ainsi que des protagonistes dont la puissance ne résout en rien leurs tourments. L'humour, pince-sans-rire, infuse l'ensemble. Les scènes d'action se révèlent spectaculaires, mais nous les concevons moins comme des triomphes que comme des aveux d'impuissance face à soi-même.
Son adaptation fait figure de démonstration : l'animation télévisée peut tout à fait maintenir des séquences d'une qualité digne du long-métrage et une réelle expérimentation formelle tout au long d'une série. Son traitement de l'adolescence, dont la leçon morale veut que les pouvoirs psychiques ne confèrent rien qui vaille la peine d'être acquis, détonne dans un genre traditionnellement fondé sur la surenchère.
Aux spectateurs qui considèrent l'animation comme un art visuel à part entière plutôt que comme un simple support de diffusion. L'œuvre conviendra parfaitement à toutes les personnes qui apprécient l'humour teinté de sincérité, ainsi qu'à celles qu'intrigue la capacité d'une seule et même série à multiplier les variations stylistiques.
